Palazzo Barberini Pietro da Cortona: Der Triumph der göttlichen Vorsehung

DerPalazzo Barberini ist ein außergewöhnliches römisches Gebäude im Herzen der Ewigen Stadt und beherbergt Kunstschätze, die von einem der faszinierendsten Momente der italienischen Geschichte erzählen: dem Barock.

Unter diesen Meisterwerken ist eines der wichtigsten und spektakulärsten das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung von Pietro da Cortona, einem Künstler, dessen Werk einen ganzen Malereistil definierte. Das zwischen 1632 und 1639 entstandene Fresko zelebriert die Macht und das Prestige der Familie Barberini in einer monumentalen, lebendigen und eindrucksvollen Komposition.

In diesem Artikel begleite ich Sie auf der Entdeckung dieses einzigartigen Werks, erzähle Ihnen seine Geschichte, die verborgenen Bedeutungen hinter jedem Detail und die außergewöhnlichen Techniken, die Pietro da Cortona verwendete. Und wenn Sie dieses einmalige Erlebnis selbst erleben möchten, finden Sie auf der Seite Tickets alle nötigen Informationen, um Ihren Besuch im Palazzo Barberini und in der Galleria Corsini zu planen.

Lassen Sie uns gemeinsam auf diese Reise ins Herz des römischen Barocks gehen!

Triumph der göttlichen Vorsehung: die Geschichte

Der Triumph der göttlichen Vorsehung – Foto: Wikipedia

Wenn Sie den Palazzo Barberini im Herzen Roms besuchen, haben Sie sofort das Gefühl, einen besonderen Ort zu betreten, der von Geschichte und Kunst durchdrungen ist. Der Palast wurde von Papst Urban VIII. (geboren als Maffeo Barberini) in Auftrag gegeben und repräsentiert den Höhepunkt des Prestiges und der Macht der Familie Barberini im 17.

Das wahre Juwel dieses Ortes befindet sich jedoch im Piano Nobile, im großen zentralen Saal, wo man das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung bewundern kann, ein absolutes Meisterwerk von Pietro da Cortona.

Die Geburt

Blick in das Gewölbe – Foto von Wikipedia

Die Geschichte des Freskos beginnt im Jahr 1632, als Papst Urban VIII. den jungen, aber bereits etablierten toskanischen Künstler Pietro da Cortona mit einem außerordentlich ehrgeizigen Auftrag betraute: Er sollte die Decke der Empfangshalle des neuen Palastes seiner Familie dekorieren. Es war Urban VIII. selbst, der auf Fürsprache seines Neffen, des Kardinals Francesco Barberini, Pietro da Cortona dem vorherigen Kandidaten, dem Manieristen Andrea Camassei, vorzog.

Die Herausforderung war enorm: ein Fresko mit einer Fläche von etwa 600 Quadratmetern zu schaffen, das nach der Sixtinischen Kapelle das zweitgrößte in Rom war. Pietro da Cortona benötigte gut sieben Jahre (von 1632 bis 1639), um das Werk zu vollenden, unterbrochen von Unterbrechungen aufgrund anderer Verpflichtungen und Aufenthalten außerhalb Roms.

Ein außergewöhnliches ikonografisches Programm

Selbstporträt von Pietro da Cortona – Foto von Wikipedia

Das Thema, das dargestellt werden sollte, wurde von Francesco Bracciolini, Dichter und Vertrauter der Familie Barberini, ausgedacht. Bracciolini hatte bereits die Wahl Urbans VIII. in einem Gedicht mit dem Titel L’elettione di Urbano Papa VIII. gefeiert, und dieses Gedicht war die Inspiration für das Fresko.

Das gewählte Thema feiert die Familie Barberini als Protagonisten, die von der göttlichen Vorsehung dazu ausersehen sind, die christliche Welt zu führen. Das Fresko stellt somit eine grandiose Lobrede auf den päpstlichen Haushalt dar, wobei religiöse und klassische Allegorien, mythologische Figuren und heraldische Symbole geschickt miteinander verwoben werden.

Pietro da Cortona und seine Mitarbeiter

Pietro da Cortona arbeitete mit großer schöpferischer Autonomie, obwohl er sich der Mitarbeit mehrerer Künstler aus seinem Umfeld bediente, wie Giovan Francesco Romanelli und Giovanni Maria Bottalla. An Schwierigkeiten und Meinungsverschiedenheiten mangelte es nicht: Während einer Zeit der Abwesenheit Cortonas in Rom versuchte Romanelli sogar, das Fresko von ihm zu übernehmen, was zu Spannungen mit dem Meister und zu seinem endgültigen Ausschluss von dem Projekt führte.

Trotz dieser Schwierigkeiten wurde das Werk 1639 vollendet und in Anwesenheit von Urban VIII. eingeweiht, der den Fortgang der Arbeiten mit ständiger Aufmerksamkeit und Interesse verfolgt hatte.

Rezeption und Einfluss des Werks

Das Fresko von Pietro da Cortona wurde sofort nach seiner Einweihung im Jahr 1639 zu einem der berühmtesten Werke des römischen Barocks. Seine enorme visuelle Wirkung in Verbindung mit seiner ikonografischen Komplexität machte die Zeitgenossen und späteren Künstler buchstäblich sprachlos.

Die erste Rezeption

Die Erhabenheit von Cortonas Werk wurde damals mit großer Begeisterung, aber auch mit großer Neugierde und Diskussion aufgenommen. Künstler, Kritiker und Besucher der damaligen Zeit waren vor allem von der stilistischen Neuheit und der spektakulären perspektivischen Illusion beeindruckt, so dass das Fresko sofort zum Vorbild wurde.

Es mangelte jedoch nicht an Kritik, vor allem aus eher konservativen Kreisen, die in Cortonas Malerei einen radikalen Bruch mit der Tradition der Renaissance sahen. Nichtsdestotrotz war der Erfolg enorm und festigte den Ruhm des Künstlers endgültig und machte ihn zu einem der absoluten Protagonisten des Barock.

Internationale Verbreitung und Drucke

Detail des Barberini-Schildes – Foto von Wikipedia

Der Ruhm des Triumphs der göttlichen Vorsehung blieb nicht auf Rom beschränkt, sondern verbreitete sich dank der Drucke und Stiche, die seine Details und Kompositionen wiedergaben, schnell in ganz Europa. Graveure und Künstler der damaligen Zeit fertigten zahlreiche Reproduktionen des Freskos an, die weite Verbreitung fanden und dazu beitrugen, das Werk weit über die Grenzen Italiens hinaus bekannt zu machen.

Durch diese Drucke übte Cortona auch einen starken Einfluss auf ausländische Künstler aus und verbreitete den römischen Barockstil in Frankreich, Österreich, Spanien und Flandern, wo viele Maler seine dynamische und theatralische Bildsprache zu imitieren begannen.

Einfluss auf die europäische Barockmalerei

Das Werk von Pietro da Cortona wurde so zum Maßstab für die dekorative Barockmalerei in ganz Europa. Künstler wie Giovanni Battista Gaulli, genannt Baciccio, Andrea Pozzo und später Giambattista Tiepolo ließen sich von dem von Cortona eingeführten räumlichen Illusionismus, der Theatralik der Szenen und der Dynamik der Figuren inspirieren.

Dieser innovative Stil, der Decken und Wände in grandiose Bühnendarstellungen verwandelt, wurde in den folgenden Jahrzehnten zu einem der Hauptmerkmale der Barockmalerei. Der Salone di Palazzo Barberini ist daher nicht nur ein künstlerisches Wunderwerk, sondern auch ein grundlegendes Werk für das Verständnis der Entwicklung der europäischen Kunst zwischen dem 17. und 18.

Pietro da Cortona: Biographie und künstlerischer Stil

Pietro da Cortona, geboren als Pietro Berrettini, wurde 1596 in der toskanischen Kleinstadt Cortona geboren, die ihm seinen Namen gab. Schon in jungen Jahren zeigte er eine außergewöhnliche künstlerische Begabung, die von einer unermüdlichen Neugierde für die klassische Welt und die großen Meister der italienischen Renaissance genährt wurde .

Im Alter von dreizehn Jahren zog Pietro nach Rom, der Stadt, die zur Hauptbühne seiner Karriere werden sollte. Hier studierte er sorgfältig die Werke großer Meister wie Raffael, Michelangelo und Zeitgenossen wie Guercino und Rubens und entwickelte einen innovativen und unverwechselbaren Malstil, der zum Symbol des römischen Barocks werden sollte.

Sein großer Durchbruch kam, als Papst Urban VIII. Barberini beschloss, ihn im zarten Alter von 36 Jahren mit dem ehrgeizigen Auftrag zu betrauen, die Decke des Hauptsaals des Palazzo Barberini zu dekorieren. Das Ergebnis ist das Meisterwerk, das Sie heute in Der Triumph der göttlichen Vorsehung bewundern können, ein Fresko, das ihn endgültig zu einem der größten Künstler des 17. Jahrhunderts macht.

Der Stil von Pietro da Cortona

Pietro da Cortona repräsentiert die Barockmalerei in ihrer besten Form: Seine Werke sind voller Bewegung, Vitalität und Theatralik. Gekonnt setzte er die Technik des illusionistischen Durchbruchs („sott’in su“) ein, wodurch sich die Decken seiner Werke zum Himmel hin zu öffnen scheinen und spektakuläre Effekte von großer perspektivischer Tiefe entstehen.

Seine Kompositionen sind stets sehr lebhaft und dynamisch, belebt durch bewegte Figuren, leuchtende Farben und auffallende Details. Dieser für die damalige Zeit revolutionäre Stil vermittelt dem Betrachter das Gefühl, buchstäblich Teil der dargestellten Szene zu sein.

Pietro da Cortona selbst bekräftigte in seiner berühmten „Abhandlung über Malerei und Bildhauerei“ (die er 1652 zusammen mit dem Jesuiten Domenico Ottonelli veröffentlichte), dass es wichtig sei, „Bildszenen stets mit vielen Figuren zu beleben“: ein Prinzip, das sich in dem grandiosen Fresko des Palazzo Barberini leicht wiederfindet.

Analyse des Triumphs der göttlichen Vorsehung

Wenn man den Salone von Pietro da Cortona im Palazzo Barberini betritt und zur Decke hinaufschaut, wird man sofort von dem Wirbel von Figuren, Lichtern und Farben ergriffen, die das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung bilden. In diesem Moment betrachtet man nicht einfach nur eine gemalte Decke, sondern taucht in eine Szene ein, die über die Grenzen der Architektur hinausgeht und sich zum unendlichen Himmel hin öffnet. Das ist Barock in seiner besten Form.

Struktur und allgemeine Komposition

Beim Betrachten des Deckenfreskos von Pietro da Cortona hat man das Gefühl, unter einer gigantischen Öffnung zum Himmel zu stehen. Das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung ist nach einer präzisen kompositorischen Struktur aufgebaut, die den für den Barockstil typischen Sinn für Tiefe und Bewegung verstärkt .

Die scheinbar illusionistische Architektur

Wenn man die Decke des Salone von Pietro da Cortona betrachtet, hat man den Eindruck, dass sie sich buchstäblich zum Himmel hin öffnet und eine riesige Szene offenbart, die über die realen Grenzen des Palastes hinausreicht. Dieser erstaunliche Effekt wird durch eine Technik erzielt, die als Quadraturismus bekannt ist und bei der der Künstler eine illusionistische Perspektive schafft, die dem Auge vorgaukelt, einen realen, dreidimensionalen, sich ständig ausdehnenden Raum zu sehen.

Pietro da Cortona war ein wahrer Meister dieser Kunst. In seinem Fresko malte er eine komplexe fiktive architektonische Struktur, die mit außerordentlicher Präzision entworfen wurde. Diese simulierte Architektur ruht idealerweise auf dem realen Gesims des Salons, wodurch ein fließender und natürlicher Übergang zwischen Realität und bildlicher Fiktion entsteht.

Diese Scheinarchitektur besteht aus vier stabilen, perspektivisch perfekt gemalten Pfeilern, die ein großes rechteckiges Gesims tragen, das mit so realistischen Marmoreffekten bemalt ist, dass es wie eine echte Skulptur wirkt. Die Pfeiler sind mit typisch barocken Ornamenten wie Putten, Blumengirlanden, Delphinen und mythologischen Figuren verziert, die den Eindruck von Theatralik und Bewegung noch verstärken.

An der Spitze jedes Pfeilers befindet sich ein Paar von Tritonen und Telamonen, mythologische männliche Figuren mit kräftigen Körpern, die große achteckige Medaillons(Clypeus) tragen. Diese mit einem monochromen Bronzeeffekt bemalten Klypei stellen Episoden aus der römischen Geschichte dar und sind Allegorien der Tugenden der Familie Barberini.

Das Endergebnis ist außergewöhnlich: Das Auge des Besuchers verliert sich in realistischen Details und allegorischen Figuren, die im Raum zu schweben scheinen und ein Gefühl der Ehrfurcht und des Staunens erzeugen. Diese Technik ist nicht nur dekorativ, sondern verstärkt auch die symbolische Bedeutung des Freskos: Der Ruhm der Familie Barberini ist nicht auf materielle Mauern beschränkt, sondern dehnt sich symbolisch in die Unendlichkeit aus, unter dem direkten Willen der göttlichen Vorsehung.

Unterteilung in fünf Sektoren

Bei der Betrachtung des Freskos fällt auf, dass es eindeutig in fünf große Sektoren unterteilt ist: eine große rechteckige Szene in der Mitte und vier seitliche, trapezförmige Szenen, die jeweils ein eigenes Thema und eine eigene Allegorie haben.

Zentraler Bereich: das Herzstück des Freskos

Die zentrale Szene stellt das Herzstück und den tiefen Sinn des gesamten Freskos dar: Der Triumph der göttlichen Vorsehung. In der Mitte sieht man die Göttliche Vorsehung, eine majestätische und königliche Frauengestalt, die auf einem Thron aus Wolken sitzt. Ihr Körper ist in goldenes Licht gehüllt, was ihre göttliche Natur und geistige Überlegenheit deutlich unterstreicht. Mit erhobener Hand befiehlt sie symbolisch dem Ruhm, das Barberini-Wappen zu krönen und damit das glorreiche Schicksal zu besiegeln, das der Himmel für die Familie vorgesehen hat.

Um die Göttliche Vorsehung herum sind zahlreiche allegorische Figuren zu sehen, die jeweils eine bestimmte Bedeutung haben:

• gerechtigkeit, Symbol für eine gerechte Regierung
• barmherzigkeit, ein Hinweis auf Gnade und göttliche Liebe
• macht, Symbol für die weltliche Macht der päpstlichen Familie
• wahrheit, Garant für die Authentizität der geistlichen Macht
• schönheit und Bescheidenheit, als Hinweis auf die moralische und geistige Reinheit der Familie Barberini

Weiter oben in der Szene halten die drei theologischen Tugenden (Glaube, Hoffnung und Nächstenliebe) einen Lorbeerkranz, in dem die berühmten drei goldenen Bienen, das Wappensymbol der Familie Barberini, fliegen. Die Bienen stehen für Fleiß, Treue und Einigkeit, wesentliche Tugenden des Pontifikats von Urban VIII.

Allegorische Bedeutung der Figuren

Jede Figur in dieser zentralen Szene hat eine bestimmte Rolle und eine sehr starke symbolische Bedeutung.

Kronus, der seine Kinder verschlingt, steht für das unaufhaltsame Vergehen der Zeit und betont die Vergänglichkeit des menschlichen Lebens im Gegensatz zur Ewigkeit, die die göttliche Vorsehung verspricht.

Die drei Schicksale (Cloto, Lachesi und Atropo), die den Faden des menschlichen Lebens spinnen und durchtrennen, symbolisieren das Schicksal des Menschen und seine Zerbrechlichkeit gegenüber dem göttlichen Willen.

Die Unsterblichkeit, die von der Muse Urania dargestellt wird, nähert sich dem Wappen der Barberini mit einer Sternenkrone, die den ewigen Ruhm des päpstlichen Hauses symbolisieren soll.

Schließlich kann man auch die allegorische Figur der Stadt Rom mit dem päpstlichen Triregnum identifizieren, das die geistliche und weltliche Macht der katholischen Kirche unter der Führung von Urban VIII. darstellt .

Alles in dieser Szene zielt darauf ab, die Legitimität und Größe der Familie Barberini als von der göttlichen Vorsehung auserwählt und gesegnet hervorzuheben.

Die Seitenteile: Feier der Tugenden der Barberini

Die vier trapezförmigen Seitenteile zeigen allegorische Szenen, die die „gute Regierung“ der Barberini feiern und die moralischen und politischen Tugenden des päpstlichen Haushalts betonen. Jeder Sektor erzählt eine andere Geschichte, die durch Kontraste und Symbolik den Sieg des Guten über das Böse und der Vernunft über die Gewalt darstellt.

Der Triumph von Religion und Spiritualität

Triondo della religione – Foto von Wikipedia

In dieser Szene kann man den starken Kontrast zwischen zwei gegensätzlichen Welten bewundern: die der Tugend und des Glaubens, die triumphieren, und die der irdischen Vergnügungen und der korrupten Moral, die zur Niederlage verurteilt sind.

In der Mitte steht die Figur der Religion, flankiert von der Wissenschaft, dem Symbol des vom Glauben erleuchteten Wissens, und der Reinheit, dem Sinnbild der geistigen Keuschheit. Diese drei positiven Gestalten sind mit edler und gelassener Haltung dargestellt, die sich ihrer moralischen Überlegenheit bewusst sind.

Auf der linken Seite der Szene sieht man die Laszivität, dargestellt als eine Frau von ausgeprägter Sinnlichkeit, die sich zurücklehnt und von Putten und Amoretten umgeben ist, die sich gegenseitig bekämpfen und symbolisch die Spannung zwischen heiliger (göttlicher) und profaner (irdischer) Liebe darstellen. Oben sieht man, wiedie himmlische Liebe den kleinen Amor verjagt, Symbol der weltlichen Liebe und der Oberflächlichkeit der menschlichen Leidenschaften.

Um das Lascivium herum spiegeln sich einige Jungfrauen und kämmen ihr Haar in der Nähe eines Brunnens, ein Bild der weltlichen Eitelkeit. Auf der rechten Seite steht Silenus, eine mythologische Figur, die mit Wein und Ausschweifung in Verbindung gebracht wird, umgeben von Faunen und Satyrn, Symbolen der Ausschweifung.

Diese starke Gegenüberstellung ist eine präzise Allegorie auf die moralische Mission des Pontifikats von Papst Urban VIII., der die Menschheit zu Spiritualität, Moral und göttlichem Wissen führen und sie von den weltlichen Versuchungen fernhalten wollte.

Der Triumph des Friedens über den Zorn

Triumph des Friedens über die Wut – Foto von Wikipedia

Diese Szene, die an der Längsseite des von Pietro da Cortona bemalten Gewölbes zu sehen ist, feiert den politischen und diplomatischen Erfolg des Pontifikats von Urban VIII.

In der Mitte dominiert die Figur des Friedens, die auf einem feierlichen Thron sitzt. Sie wird von der Klugheit flankiert, die sie in weiser Voraussicht anweist, die Türen des Janustempels zu schließen, ein antikes Symbol für den erneuerten Frieden. Im alten Rom wurden diese Türen nur in Zeiten des absoluten Friedens geschlossen, wenn kein Krieg im Gange war.

Auf der linken Seite sind die mächtigen Zyklopen zu sehen, mythologische Gestalten, die Waffen schmieden, ein Symbol für Konflikt und Gewalt. Ihre Arbeit ist jedoch vergeblich: Diese Waffen werden nicht mehr benötigt, denn der Frieden hat nun endgültig gesiegt.

Auf der rechten Seite wird der Zorn, die Personifikation des Zorns und des Krieges, nun von der allegorischen Figur der Mansuetude, dem Symbol der Sanftmut und der Milde, besiegt, entwaffnet und in Ketten gelegt. Der Kontrast zwischen diesen Figuren unterstreicht die zentrale Botschaft des Freskos: den Frieden und die Harmonie, die durch die aufgeklärte und friedliche Herrschaft von Papst Urban VIII. und der Familie Barberini entstanden sind.

Diese Szene stellt somit ein wahres politisches und moralisches Manifest dar, das die befriedende und schützende Rolle Urbans VIII. gegenüber dem Volk und der Kirche preist.

Minerva besiegt die Giganten

Minerva triumphiert über die Giganten – Foto von Wikipedia

Diese Szene zieht den Betrachter dank der von Pietro da Cortona geschaffenen starken perspektivischen Wirkung sofort in ihren Bann. Wenn man nach oben blickt, sieht man die gigantischen Körper der monströsen Riesen auf sich zustürmen, fast bereit, einen zu überwältigen. Es ist ein eindrucksvoller visueller Eindruck, den der Künstler geschaffen hat, um die symbolische Botschaft zu verstärken.

Im Mittelpunkt der Szene steht Minerva, die römische Göttin der Weisheit, Strategie und Vernunft. Bewaffnet mit Speer und Schild stellt sich Minerva den Riesen entgegen und besiegt sie energisch, mythologische Kreaturen, die für Gewalt, Brutalität und vor allem Unwissenheit stehen. Ihr Sieg ist klar, eindeutig und endgültig und symbolisiert den Triumph der Vernunft und der Kultur über die blinde und zerstörerische Kraft.

In allegorischer Hinsicht verkörpert Minerva genau das intellektuelle Ideal, das von Urban VIII. Barberini, einem kultivierten Pontifex und Mäzen der Künste und Wissenschaften, gefördert wurde. Der Sieg der Göttin wird so zur Feier der aufgeklärten Regierung Barberini, die Weisheit und Kultur als Waffen einsetzt, um die christliche Welt zu regieren und zu leiten.

Herkules vertreibt die Harpyien

Herkules vertreibt die Harpyien – Foto: Wikipedia

Der letzte Seitenteil des Freskos von Pietro da Cortona ist dem Triumph von Tugend und Moral gewidmet. In der Mitte der Szene erkennt man sofort Herkules, den Helden der klassischen Mythologie, das universelle Symbol für Stärke, Mut und moralische Rechtschaffenheit.

In dieser Szene vertreibt Herkules entschlossen die Harpyien, monströse Kreaturen, halb Frau, halb Vogel, Symbole für Habgier, Korruption und alle Laster, die die Gesellschaft bedrohen. Die Anwesenheit von Herkules soll also an die moralische Stärke und Integrität der Familie Barberini erinnern, die in der Lage ist, das Böse zu beseitigen und das Volk zu schützen.

Neben Herkules ist auch die allegorische Figur der Liberalität zu sehen, die Früchte, Blumen und Münzen austeilt. Diese Elemente stehen für den Überfluss, den Wohlstand und die Großzügigkeit, die durch die gute Regierung von Papst Urban VIII Barberini garantiert werden. Durch diese Allegorie unterstreicht Cortona die positive und segensreiche Rolle der Familie Barberini, die das materielle und geistige Wohlergehen ihrer Untertanen förderte.

Diese Szene, die so reich an moralischen und politischen Bedeutungen ist, vervollständigt den allegorischen Zyklus, der die Tugenden der Familie Barberini preist.

Ikonographische und symbolische Analyse

Das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung ist eine außergewöhnliche Kombination aus Symbolen, Allegorien und ikonografischen Bezügen. Jedes Detail, das Sie sehen, hat eine genaue Bedeutung, die die Familie Barberini und das Pontifikat von Papst Urban VIII. feiern soll. Lassen Sie uns gemeinsam die wichtigsten davon entdecken.

Die Barberini-Bienen

Die drei Bienen – Foto von Wikipedia

Eines der wiederkehrenden Symbole des Freskos sind die drei goldenen Bienen, das heraldische Emblem der Familie Barberini. Diese Bienen, die in der Mitte der Hauptszene platziert sind, wurden nicht zufällig gewählt: Sie stehen für Fleiß, Einigkeit und Treue, wesentliche Werte, die Urban VIII. mit seiner Regierung und seiner Familie in Verbindung bringen wollte.
Die Wahl der Bienen erinnert auch an die Organisationsfähigkeit und das Pflichtbewusstsein der Familie Barberini gegenüber dem Volk und der Kirche.

Der Lorbeerkranz

Der große Lorbeerkranz, der von den theologischen Tugenden (Glaube, Hoffnung und Nächstenliebe) getragen wird, steht für die ewige Herrlichkeit, die den Barberini von der Vorsehung versprochen wurde. Der Lorbeer symbolisiert aber auch die poetische Tugend: Urban VIII. war nämlich nicht nur für seine politischen und religiösen Talente bekannt, sondern auch für sein literarisches Talent. Auf diese Weise wird in Cortona sowohl die geistige als auch die kulturelle Rolle des Papstes gefeiert.

Moralische und historische Allegorien in den Medaillons (clipei)

In den vier Ecken des Gewölbes befinden sich achteckige Medaillons, sogenannte Clipei, die jeweils eine Szene aus der römischen Geschichte darstellen. Diese Episoden sind nicht willkürlich gewählt, sondern stehen für bestimmte moralische Tugenden, die den Barberini zugeschrieben werden:

• Fabius Maximus und die Bären, Symbole für Klugheit und politischen Scharfsinn.
• Scipio und das Einhorn, Symbol für Mäßigung und moralische Reinheit.
• Mucius Scevola und der Löwe, Sinnbild für Stärke und Mut.
• Titus Manlius und der Hippogreif, Symbol des Scharfsinns und der Gerechtigkeit.

Jedes Tier, das mit den historischen Szenen assoziiert wird, verstärkt visuell die Tugend, die es repräsentiert, und schafft so eine direkte Verbindung zwischen der antiken Größe Roms und der heutigen Größe der Familie Barberini.

Kontraste zwischen Lastern und Tugenden

Ein wesentlicher Aspekt des Freskos ist der ständige Kontrast zwischen positiven und negativen Figuren, zwischen Tugenden und Lastern. Cortona betont stets den Sieg von Moral und Vernunft über moralische Unordnung und Gewalt:

• Religion und Wissenschaft siegen über Lüsternheit und weltliche Oberflächlichkeit.
• Der Friede, geleitet von der Klugheit, besiegt die Kriegsfurie.
• Minerva, Göttin der Weisheit, beherrscht die Riesen, Symbol für blinde Stärke und Unwissenheit.
• Herkules, Symbol der heroischen Tugend, vertreibt die Harpyien, allegorische Figuren der menschlichen Laster.

Diese Kontraste zeigen, dass das gesamte Werk eine wahre Feier der moralischen, politischen und geistigen Überlegenheit der Familie Barberini ist, die von der göttlichen Vorsehung gewollt und unterstützt wird.

Räumlicher Illusionismus und unendliche Herrlichkeit

Die außergewöhnliche illusionistische Perspektive Cortonas symbolisiert schließlich die unendliche und göttlich legitimierte Macht der Barberini. Es gibt keine klaren visuellen Grenzen: Der Bildraum dehnt sich nach oben und über die realen Grenzen der Architektur hinaus aus. Diese ikonografische Lösung soll die Idee vermitteln, dass die päpstliche Macht und der Ruhm der Barberini dazu bestimmt sind, die zeitlichen Grenzen zu überschreiten und in die ewige Dimension einzutreten.

Maltechnik und barocker Illusionismus

Quadraturismus

Die drei Bienen – Foto von Wikipedia

Pietro da Cortona setzt meisterhaft eine Maltechnik ein, die als Quadraturismus bekannt ist und auf einer außergewöhnlichen Fähigkeit beruht, perspektivische Illusionen zu erzeugen. Der Künstler bedient sich der Perspektive „di sotto in su“ ( von unten nach oben), die den Eindruck erweckt, dass sich der Deckenraum buchstäblich zum unendlichen Himmel hin öffnet. Wenn man nach oben schaut, hat man das Gefühl, dass die gemalten Figuren und die Architektur tatsächlich dreidimensional sind und über einem schweben.

Jedes architektonische Element, das Sie sehen (Säulen, Pfeiler, Gesimse und Medaillons), ist mit so realistischer Präzision gemalt, dass es wie in Marmor gemeißelt erscheint. Dieser illusorische Effekt hebt die physischen Grenzen des Raumes auf und schafft einen Raum, der sich scheinbar unendlich fortsetzt und ein noch nie dagewesenes visuelles Gefühl von Tiefe und Bewegung vermittelt.

Kräftige Farben und dramatisches Licht

Das Fresko wird von leuchtenden und kräftigen Farben beherrscht, die die Bewegung und die Dynamik der Figuren unterstreichen sollen. Pietro da Cortona wählte sorgfältig leuchtende und kontrastreiche Töne, die eine starke dramatische Wirkung erzeugen. Sie werden feststellen, dass sich einige Figuren dank der leuchtenden Farben deutlich abheben, während andere durch weichere Schattierungen sanft mit dem Hintergrund verschmelzen.

Das Licht spielt in der Kompositioneine Schlüsselrolle: Cortona nutzt die natürliche Beleuchtung des Saals geschickt, um die Hauptfiguren hervorzuheben, indem er strategische Lichtpunkte schafft und den Eindruck von Dreidimensionalität und Tiefe der Szene verstärkt.

Technik der Ausführung

Die Ausführung des Freskos erfolgte in der traditionellen Technik des buon fresco, bei der die Pigmente direkt auf den noch feuchten Putz aufgetragen werden. Pietro da Cortona teilte das Werk in viele kleine Abschnitte auf, die er „giornate“ nannte und in denen er jeden Teil schnell fertigstellen musste, bevor der Putz trocknete. Dies erforderte Schnelligkeit, Präzision und ein hohes Maß an Planungsfähigkeit für das gesamte Werk.

Während der siebenjährigen Arbeit (1632-1639) nahm Cortona auch mehrere Mitarbeiter wie Giovan Francesco Romanelli und Giovanni Maria Bottalla in Anspruch, behielt jedoch stets die volle Kontrolle über die endgültige Komposition und die wichtigsten Details des Werks.

Stilistische Innovation und barocke Dynamik

Pietro da Cortonas große stilistische Innovation bestand darin, ein dynamisches und theatralisches Gemälde zu schaffen und mit der Tradition der Renaissance zu brechen, die durch eher statische und zurückhaltende Kompositionen gekennzeichnet war. Seine Szenen sind dicht gedrängt, lebendig und einnehmend, mit Figuren, die sich buchstäblich über dem Betrachter zu bewegen scheinen.

Dieser für seine Zeit innovative Stil prägte die Barockmalerei nachhaltig und beeinflusste zahlreiche europäische Künstler, die Cortonas Werk als unverzichtbaren Bezugspunkt betrachteten.

Kuriositäten und Anekdoten

Rivalität mit Romanelli

In den Jahren, in denen Cortona an den Fresken arbeitete, verlief nicht immer alles reibungslos. Eine bekannte Episode betrifft die Rivalität zwischen Pietro da Cortona und einem seiner Mitarbeiter, dem jungen und ehrgeizigen Giovan Francesco Romanelli. Romanelli versuchte nämlich, die lange Abwesenheit Cortonas von Rom auszunutzen, um die Ausführung des Freskos zu übernehmen. Als Cortona zurückkehrte und die Initiative seines Assistenten entdeckte, entfernte er ihn nicht nur sofort von der Baustelle, sondern brach alle Beziehungen zu ihm für immer ab.

Lange Zeiten und ständige Unterbrechungen

Die Fertigstellung des Freskos dauerte sieben lange Jahre(1632-1639), mit zahlreichen Unterbrechungen aufgrund anderer Verpflichtungen von Pietro da Cortona, der in und außerhalb Roms sehr gefragt war. Der Papst selbst musste oft eingreifen und den Künstler auffordern, das Werk schneller zu vollenden. Die langsame Fertigstellung war auch Gegenstand von Kritik und Ironie seitens der Zeitgenossen.

Der Papst und die Barberini-Bienen

Die drei berühmten goldenen Bienen, das Symbol der Familie Barberini, sind überall auf dem Fresko zu sehen. Eine kuriose Anekdote erzählt, dass Papst Urban VIII. persönlich die Arbeit des Künstlers inspizierte und Cortona vorschlug, mehr Bienen hinzuzufügen, um seine Familie besser zu feiern. Es scheint, dass Cortona zwar den Wunsch des Papstes respektierte, aber dennoch versuchte, die Anzahl der Bienen zu begrenzen, um das Gleichgewicht und die Eleganz des Werks nicht zu beeinträchtigen.

Ein fast rekordverdächtiges Werk

Mit einer Fläche von etwa 600 Quadratmetern ist das Fresko im Palazzo Barberini das zweitgrößte in Rom und wird nur von Michelangelos Sixtinischer Kapelle übertroffen. Dieser Beinahe-Rekord war jedoch immer eine Quelle des Stolzes für die Familie Barberini, die sich ein Werk wünschte, das mit dem der früheren Päpste mithalten konnte.

Möchten Sie wissen, welche anderen wunderbaren Werke der Palazzo Barberini beherbergt? Wir haben sie in diesem Artikel ausführlich besprochen.

Schlussfolgerung

Das Fresko Der Triumph der göttlichen Vorsehung von Pietro da Cortona ist eines der wichtigsten und faszinierendsten Werke des italienischen Barocks. Mit seiner außerordentlichen symbolischen Komplexität und seinem unglaublichen illusionistischen Können gelang es dem Künstler, das Prestige der Familie Barberini zu feiern und die Decke des Salone di Palazzo Barberini in ein wahres visuelles Spektakel zu verwandeln.

Dieses Werk ist nicht nur eine künstlerische Würdigung der Familie von Papst Urban VIII, sondern auch ein grundlegender Meilenstein in der Geschichte der europäischen Malerei. Mit seiner Dynamik, seiner Theatralik und seiner Fähigkeit, Emotionen zu wecken, hat das Fresko die Entwicklung der Barockkunst für immer geprägt und Generationen von Künstlern und Zuschauern beeinflusst.

Heute hütet der Palazzo Barberini diesen einzigartigen Kunstschatz und lässt Sie in die Pracht und den Zauber des römischen Barocks eintauchen.

Wenn Sie dies aus erster Hand erfahren und alle Geheimnisse des Meisterwerks von Pietro da Cortona entdecken möchten, besuchen Sie bitte unsere Ticketseite, auf der Sie alle Informationen finden, die Sie für die Organisation Ihres Besuchs benötigen.